A obra -prima negligenciada cheia de mensagens codificadas sobre a Primeira Guerra Mundial

Esotérico e pioneiro, as pinturas de um pré-rafaelita menos conhecido, Evelyn de Morgan, explorou o trauma e o significado da guerra-e a arte de fantasia atual prefigurada.

Em uma praia rochosa que brilha vermelha com lava, os dragões que respiram fumaça cercam prisioneiros de aparência miserável sugerindo um anjo para libertá-los do sofrimento. A morte de pintura a óleo do Dragão por Evelyn de Morgan parece a princípio uma cena do livro apocalíptico de revelação do Novo Testamento. Mas, pintado entre 1914 e 1918, também é algo mais pessoal e crítico: uma alegoria para a miséria e a escravidão da Primeira Guerra Mundial e o confronto entre o bem e o mal.

O show coincide com a reabertura do Museu De Morgan em Barnsley, Yorkshire, após uma extensa reforma do telhado, e responde a um crescente interesse Neste artista menos conhecido. Ela tendeu a ser eclipsada por seu marido William – um ceramista e escritor, que havia trabalhado no início de sua carreira com o designer têxtil William Morris – e os homens famosos em seu círculo: seu tio e professor de arte, John Roddam Spencer Stanhope, por exemplo, e os pintores William Holman Hunt e Dante Gabriel Rossetti. Muito do que sabemos sobre De Morgan hoje vem de sua irmã Wilhelmina, que criou a Fundação De Morgan, mas até ela achou adequado publicar a biografia póstuma do casal sob o título William de Morgan e sua esposa.

No entanto, Evelyn de Morgan mais do que merece a aclamação tardia do mundo da arte. Formada em Slade, que estava trabalhando no final do movimento pré-rafaelita, ela levou o gênero de maneira indiscutivelmente ou excessivamente sentimental em um novo território, criando tableaux que eram incomumente visionários e energéticos. As mulheres que ela retratou eram menos passivas do que aquelas retratado por seus contemporâneose apresentado como símbolos da agência, em vez de objetos do olhar masculino. Em vez de um corpo afogado flutuando pelo rio, como em Sir John Everett Millais ‘ Opheliaou números cuja moeda principal era sua aparênciaencontramos um especialista Feiticeira criando poções mágicas e super -heroínas voadoras que podem lançar chuva, trovão e raios dos dedos.

Essas figuras semelhantes a deusas mostram a influência da arte clássica que De Morgan havia estudado. Obras imaculadamente executadas, como Boreas e Oreithyia (1896) revelam seu interesse em mitologia e seu domínio da forma humana, remanescente de Michelangelo.

Na morte do dragão, em termos de composição, é fácil ver a influência do Sandro Botticelli’s O nascimento de Vênus (1483-1485), que De Morgan havia visitado em Florença. Se o anjo de Haloed de De Morgan ecoa essa idéia de renascimento – refletindo a crença do artista em uma vida após a morte espiritual – então os animais alados são sua contraparte, a morte, sempre mordendo os calcanhares do povo e ameaçando superá -los. Em outros lugares de seu trabalho, a morte assume formas alternativas: um anjo escuro com uma foiceAssim, Monstros marinhos ou – mais obliquamente – um cronômetro de areia. É um simbolismo que fala da transitoriedade da vida e adquire pungência adicional em seu trabalho posterior, transmitindo o trauma coletivo de viver uma guerra mundial que reivindicou quase um milhão de vidas britânicas.

“Durante a Primeira Guerra Mundial, eles (os de Morgans) estavam em Londres, então teriam sido diretamente afetados”, disse Jean McMeakin, presidente do Conselho de Administração da Fundação De Morgan, à BBC. “A morte foi real para eles de uma maneira que talvez tenhamos esquecido em grande parte hoje em dia”, ressalta. “Os membros da família de William morreram de tuberculose, e sua própria saúde era muitas vezes bastante ruim. A morte estava, de certa forma, sempre presente em segundo plano”.

De Morgan era pacifista e sua arte se tornou uma forma de ativismo. Em Nossa Senhora da Paz (1907), uma resposta às guerras de Boer, um cavaleiro implora por proteção e paz, enquanto em O pobre homem que salvou a cidade (1901), sabedoria e diplomacia são defendidas como alternativas à intervenção militar. Mais tarde, em A Cruz Vermelha (1914-16), os anjos carregam o Cristo crucificado sobre uma paisagem murcha perfurada por sepulturas de guerra belga-uma sugestão, talvez, de que a fé cristã esteja em desacordo com a brutalidade da guerra, mas nos oferece esperança de redenção. “Você nunca deve louvar a guerra”, declarou de Morgan no resultado de um experimento (1909), um livro de “Escrita automática” Co-autoria com o marido. “O diabo o inventou, e você não pode ter concepção de seus horrores.”

A idéia das forças do bem e do mal agindo sobre pessoas comuns era difundida neste momento. “O espiritualismo era bastante popular”, afirma McMeakin, citando o autor Sir Arthur Conan Doyle – o criador de Sherlock Holmes – como um de seus adeptos mais famosos. As crenças de outro mundo, diz ela, foram “provavelmente o resultado da turbulência, as enormes mudanças que acontecem na sociedade que antecederam a virada do século, além de um período de muitas guerras, o que teria um impacto em sua visão do mundo”. Sem dúvida, De Morgan também foi influenciado por sua sogra, Sophia, um conhecido espiritualista e médio. Com tantas vidas perdidas, foi sem dúvida tentador acreditar que você poderia se reconectar com os que partiram.

Para De Morgan, o materialismo se opunha à espiritualidade, e muitas de suas obras confundem a busca da riqueza com a morte. As coroas, usadas pelas serpentes aladas na morte do dragão, são um motivo repetido que denota a ganância e a obra. Em Earthbound (1897), um rei avarento em uma capa de ouro padronizada com moedas está prestes a ser sobrecarregada pelo anjo da morte, enquanto em O portão barrado (c.1910-1914), uma figura semelhante é negado a entrada no céu.

Com o futuro tão incerto, De Morgan coloca a importância da realização espiritual e da felicidade no centro de grande parte de seu trabalho. Em Cegueira e cupidez perseguindo alegria da cidade (1897), por exemplo, “cupidez” é personificado como uma figura coroada segurando tesouros que estão afastando “alegria” na forma de um anjo. Aqui, como na morte do dragão, os personagens centrais estão acorrentados, sugerindo almas presas.

Em O prisioneiro (1907-1908), a janela barrada e os pulsos acorrentados de uma mulher tornam o cativeiro uma metáfora para a desigualdade de gênero, sugerindo o apoio dos De Morgans para sufrágio universal (Evelyn era signatário de pelo menos duas petições importantes, enquanto seu marido era vice-presidente da Liga dos Men por sufrágio feminino). O tema se repete Luna (1885), onde o corpo ligado à corda de uma deusa da lua, uma figura mitológica do poder feminino, funciona como uma metáfora da luta de uma mulher para influenciar seu próprio destino.

Batizou “Maria”, Evelyn mais tarde adotou seu nome do meio neutro em termos de gênero, pois a arte feminina não foi levada a sério. “Ela queria ser considerada no mesmo nível que seus colegas”, diz McMeakin. “Podemos assumir um enorme grau de auto-posse e determinação em seu desejo de se tornar uma artista profissional”, acrescenta ela, afirmando que até a mãe de De Morgan se opôs à sua escolha de carreira.

Tecnicamente, De Morgan também foi pioneiro. Ela experimentou o pigmento dourado de polimento e esfregamento em suas obras para acrescentar profundidade e interesse e explorou novas técnicas de pintura inventadas por seu marido, feitas por cores com glicerina e espírito. Estilisticamente, ela também estava à frente de seu tempo. O uso não convencional de rosas e roxos e os anéis ousados ​​da luz cor de arco-íris, prefigure o Estilos de pintura psicodélica da década de 1970, enquanto seus monstros aterrorizantes não pareceriam fora do lugar em Arte de fantasia contemporânea.

Enquanto a história da arte tendia a pintar mulheres como mães virgens, objetos de beleza ou temperatura, a perspectiva especificamente feminina de De Morgan as reformula como figuras de esperança que Augur um futuro alternativo e brilhante. Em Luz no escuro (Luz na escuridão) (1895), por exemplo, a figura feminina segura um ramo de azeitona na mão direita, oferecendo um caminho para a paz. Na morte do dragão, o anjo é cercado por um magnífico arco -íris: um símbolo (junto com o céu) de alegria que denota realização e liberdade espirituais, bem como a promessa de uma vida após a morte.

É um erro pensar em obras como a morte do dragão como “completamente sombrio”, argumenta McMeakin, observando que “frequentemente com cenas apocalípticas dela, há um vislumbre de esperança ou uma parte da pintura que é calma”. De muitas maneiras, a morte do dragão é otimista, expressando uma sensação de que a guerra – o dragão metafórico – está chegando ao fim e que o bem pode superar o mal. Nesta batalha existencial, De Morgan viu um lugar para seu trabalho. Quando ela tinha apenas 17 anos, ela se castigou por não pintar o suficiente. “A arte é eterna, mas a vida é curta”, escreveu ela em seu diário. “Vou compensar agora, não tenho um momento a perder.”